30/04/2016

Let's not forget... [Errol Morris quote]

Let's not forget that we as humans have created a vast amount of real knowledge. We have been successful, not always successful, but often successful drawing a line between false belief and knowledge, between fact and fiction, between truth and untruth. If we have any claim to nobility I think it comes from that. Does that mean that there are no longer problems, that people are capable of believing preposterous things, that our capacity to believe, our inherent credulity about things puts us at enormous risk? It does. I have had a career recording all kinds of stories over the years, stories about how people prefer untruth to the truth, stories about people who are blinded by their own spurious convictions, stories about false ideas. But in all of that, I have an unshakeable belief in the truth. Maybe we can't always find it, maybe we can't always know it. But in principle we can find it, and we can know it, and that's our goal.
Errol Morris

27/04/2016

Fabrice Aragno en la EICTV

Ayer estuvo Fabrice Aragno en la escuela. Colaborador de Godard desde Notre Musique, gran parte de la estética del último Godard se debe a él, encargado en un principio de la puesta en escena de la películas y, desde Film Socialimsme, de una buena parte de la técnica de los filmes digitales que está realizando JLG. Nos habló del excéntrico, libre y juguetón modo de trabajo de Godard, quién constantemente empuja a sus colaboradores a saltarse las normas, a poner de su parte, a que le ofrezcan las imágenes que a ellos les parezca. Hablando de Film Socialisme, Fabrice comentó que el equipo técnico –que conformaba sólo él y otra persona– fueron dos semanas al crucero mediterráneo Costa Concordia antes del rodaje con los actores, a petición de Godard, porque necesitaba material de cobertura, para el que les dio la máxima libertad de elección y cantidad de planos. Dice Fabrice que algunos pueden decir que esto es dar mucha libertad, pero para él, en verdad, es quitarla, puesto que no sabían qué grabar.


Al final, en el turno de preguntas, hice una que tenía clavada desde hace tiempo. Le pregunté en cuanto al archivo que utiliza Godard en sus filmes, tanto Histoire(s) du cinema, como los últimos, repletos de citas históricas y literarias. Le pregunté si Godard pagaba por el material que utilizaba y por último le dije que yo en uno de mis últimos cortometrajes (a publicar por aquí en breves) había utilizado un pedazo de material de archivo de una película de Godard, que si había algún problema. El me dijo que para Godard el coger material de archivo es citar simplemente, y que el no pedía permiso ni pagaba en ninguno de los materiales que utilizaba. De hecho, me dijo que podía utilizar más que solo un pedazo de la película, que la podía utilizar toda.

18/04/2016

Boin Neon @ Indiewire

Mis sentimientos hacia esta película, en la que trabajé como editor en set, todavía son un tanto desdeñosos. Sin embargo, esos comentarios del director que aparecieron en un artículo de la IndieWire me parecen muy interesantes y me recuerdan el espíritu de la edición que llevábamos, del que aprendí un montón.
It was a great challenge to work with actors who are very experienced in Brazil. Their TV experiences are very strong. But it was also a challenge to create a different context for them, where the scenes went on for eight minutes or more without a cut. There was something very magical about trying to turn those scenes into moments of life that were unrepeatable.  We didn't have the option to use the tools of editing and photography to manipulate feelings.

The film works with two kinds of aesthetic approaches. One is almost realistic and the other is lyrical and very dreamy. These two connections create something like a displacement of time and space. Lots of things are connected to dreaming — even some moments that are completely close to the documentary, fly-on-the-wall style. It's a film that really blends our experiences into something that is sometimes uncomfortable because it can be the excess of normalization, the excess of naturalism. The film uses that excess as a way of questioning differences. It establishes characters that have an atypical life in a cowboy world. But they don't judge themselves or each other.

17/04/2016

Timelines la Parca

Film editing by Juliano Castro:
Sound desing by Angie Hernández.
Color grading by Denise Guerra:

16/04/2016

Reservoir Dogs - Oreo

Gracias a mi primo Dani por compartir

LoveTrue trailer



Alma Har'el:
"Love takes off the masks that we fear we cannot live without and know we cannot live within. I use the word 'love' here not merely in the personal sense but as a state of being, or a state of grace – not in the infantile American sense of being made happy but in the tough and universal sense of quest and daring and growth."
 http://www.indiewire.com/article/interview-alma-harel-lovetrue-tribeca-20160415?utm_source=Facebook&utm_medium=Social&utm_campaign=IW_post

MUST: Notre musique - JLG


12/04/2016

El equilibrio en Hamaca Paraguaya

En uno de mis últimos trayectos Salamanca-Madrid, antes de cambiar de continente, conocí a una mujer de Paraguay, que sabía hablar guaraní, que trabajaba en mi ciudad cuidando ancianos, que añoraba su tierra y que me habló de las diferencias que veía entre las costumbres familiares en mi ciudad y en la suya. En Paraguay, en su familia y en su entorno, nunca se contrataría a nadie para cuidar de los mayores, nunca se pensaría en una residencia y nunca se abandonaría a la familia salvo fuerza mayor. Era su caso. Necesitaba hacer dinero. Esta mujer había cruzado el charco hace años ya, y estaba esperando hacer un poco más de plata para regresar a su tierra. Más tarde he leído que Paraguay es uno de los países más melancólicos de América Latina –como Portugal de Europa, diría yo.

En fin, esto me sirve un poco para entender y dar pie a hablar de una película que proyecté el otro día en la Sala Titón de la escuela, en las sesiones cinéfilas que organizo algunos sábados denominadas “cine lechuga”. La película se titula Hamaca Paraguaya, de 2006, y fue una grata sorpresa para la mayoría de la gente allí presente -a excepción de algunos que se salieron pasados 5 minutos del comienzo. Dirigida por Paz Encina y editada por Miguel Schverdfinger, la película, compuesta de muy-largos planos secuencia, es un experimento formal y narrativo sobre la que me gustaría destacar, brevemente, algunos aspectos que la diferencian de todo el cine que yo había visto. En el tiempo que pasa dentro de las tomas percibimos el cambio de la luz en el paisaje. La espera es acentuada por la ausencia de cortes y acciones, y la gramática respeta esa narrativa, cada plano y cada corte marcado por una decisión dramática.


Si observamos la hamaca paraguaya que aparece en el cuadro anterior, y que se mantiene más de 15 minutos en el primer plano de esta película, podemos ver una síntesis de los aspectos formales que predominan en la película: equilibrio, amplitud y naturalidad. La película, como decía, está compuesta de largos planos secuencia que muestran el ambiente rural y agrícola de una familia que espera la llegada de su hijo, que marchó a la guerra, la guerra del Chaco, que sucedió entre Paraguay y Bolivia en 1935. La madre representando valores más pesimistas, y el padre representando la esperanza y el optimismo, van manteniendo planos simétricos, en duración y valor (tamaño e información), a lo largo del progreso de la narrativa. En la honda espera de los padres por el hijo, ambos se muestran haciendo sus trabajos diarios, la recogida de caña, la colada en el río. Y, a la par, o por encima de la imagen, están los pensamientos o las conversaciones no sincrónicas que tienen los padres en relación a su espera. Unas palabras demasiado literarias, quizás, para una imagen muy naturalista.

La directora atestiguó que lo primero que registró en la película fue el sonido, por lo que en esta película se parte de una aproximación singular a la historia y a la forma de contarla. De ahí la destacada importancia de esos diálogos en off. La directora había hecho una basta búsqueda de material de archivo sonoro, grabado por los represores de la Guerra. Paz Encina dice: "No hay posibilidad de decir “Esto no fue  así”. Eso es lo que a mí en algún punto me alivia, así como me angustia escucharlo, en ese sentido me alivia. Ellos lo registraron, nos dieron esto”.

Fragmento de una entrevista a Paz Encina en Nodal.am:
En la trilogía “Tristezas de la lucha” la voz adquiere un valor de verdad que no es común en el cine. Al escuchar esas voces necesariamente se imagina que provienen de alguien real. El espectador hasta puede fantasear que a esa persona que habla podía conocerla.
Es así porque es la historia de la humanidad. Yo la primera vez que la escuche me espanté, me angustié, tardé tres días en volver a escucharla. La primera vez se te ponen los pelos de punta. Por suerte estaba con un montajista argentino que tenía muy trabajado el asunto de la memoria y me dio una mano enorme en afrontar esos archivos. Pero después tomé un poco de distancia. Es lo más brechtiano que escuché. Era tener la cruz de tiza ahí, era tener terror y miseria ahí. Llevado a un tono más paraguayo o guaraní, pero era terror y miseria. Es la historia de la humanidad, eso es lo tremendo.

Lo que se nota es que eso es lo fuerte también del sonido, ya que uno se apropia de eso. Y el tono del represor es el tono del represor. Y cuando quiebran a un ser humano, quiebran a un ser humano. Eso es lo tremendo de esos sonidos. Yo creo que es algo que también me fui dando cuenta por el trabajo que empecé a hacer casi por una cuestión de necesidad. Tenía la sensación de que algo hay que hacer con esto que está allí archivado.

La espera por la vida, por la lluvia y por el regreso del hijo se observa en cada uno de los cuadros de la cinta. Cada uno de los selectos -por pocos y marcados- cortes de la película es como el tronco de un árbol en el que extensamente se cuelga una hamaca, que sería el largo plano que se extiende hasta el próximo árbol.  El añoro de los padres por su hijo está en equilibrio, sobre una hamaca que carga un peso muy humano. Los padres están separados en 'planos de trabajo', pero unidos en 'planos de familia’. ¿Qué será del hijo de esta pareja? ¿Qué será de aquella mujer del autobús?

11/04/2016

Anit FCP grand?

While editing, via Cuba-Mexico, a project entitled Aint love grand? I got this funny message:

07/04/2016

Los cortes no duelen: No matarás

El lunes me mordió un perro la mano, pasé la noche con fiebre. El martes lo pasé en los pasillos del hospital. Ayer, miércoles, ya recuperado, sincronicé y empecé a editar. Hoy finalizamos el corte. Una carrera y unas cuantas hostias con un final… un tanto feliz. Actualmente se está corrigiendo el color de la imagen, y el de la mordedura también está cambiando. La heridas se abren, la sangre cae y los cortes no duelen. Aprieto las teclas y aprieto la mano -según el Dr. Máximo, la parte más sucia del cuerpo, más que el ano. Mucha rabia contenida. Y, sin embargo, el viejo Moisés dijo: NO MATARÁS.



Dirección: David Avilés
Edición: Pablo Hernández

PRÓXIMAMENTE

03/04/2016

The End Trailer, edited by Gaspar Noé

3 minutos en Saint Antonine

Desde el corazón de Cuba, mi primera redacción para Editor Under Construction tras 7 meses viviendo aquí, en medio del campo, en la Escuela Internacional de Cine y Televisión. Creo que ha llegado el momento de retomar las reflexiones, aprendizajes, análisis y aventuras que publicaba en el blog, para continuar con eso de aprender compartiendo. Porque si no es así, no es tan divertido. La lenta y limitada conexión a internet no facilita hacerlo, pero sea como fuere, aquí estoy para dejar la huella que dejaron en mí los 3 minutos en Saint Antoine.

Este primer curso en la escuela, que está a dos meses de acabar, se denomina Polivalencia, porque los 40 estudiantes que estamos aquí (de muy diversos países, continentes y culturas) aprendemos de los diferentes departamentos y oficios que hay dentro del mundo cinematográfico y audiovisual, para ya el año que viene especializarnos cada uno en una cátedra en concreto. Aprendemos a analizar películas desde el punto de vista del guión, a escribir guiones, a fotografiar, a registrar sonido, a editar, a dirigir, a producir, a amar el arte y las personas que lo hacen, que nos rodean, con las que vivimos. Escuchamos, vemos y contamos historias. Nos las imaginamos, las vivimos o las recordamos. Y todo esto lo concretizamos, materializamos o capturamos en un soporte que llegará a la gente que esté interesada en verlo, al mundo que esté interesado en ver y escuchar historias que le permitan ver realidades de jóvenes con ganas de mejorar un poco el cochino panorama contemporáneo. Como dice Basilio Martín Patino en una entrevista que tengo pegada en la pared de mi cuarto, “Debemos seguir inventando el mundo”.

Fotografía del rodaje de La Parca
 Como ejercicio evaluativo, aglutinador de los conocimientos adquiridos hasta el momento, en este curso de Polivalencia, hay el ejercicio llamado 3 MINUTOS. Viene a ser un cortometraje que cada uno de los 40 alumnos debemos realizar con una serie de directrices como las siguientes:
Ser rodado dentro del perímetro de la escuela.
Un día de rodaje de máximo 12 horas.
Grabar un máximo de 10 minutos en tarjeta (por primera vez en la Escuela, los alumnos de primer año rodamos en digital y no en celuloide).
Editar un vídeo cuya duración final esté comprendida entre los 2 y 3 minutos.

En equipos de 8 alumnos (director-guionista, ayte. dirección, productor, director de fotografía, ayte. cámara, sonidista, microfonista, scrpit-editor) hemos rodado 8 cortometrajes diferentes desde el 18 de marzo hasta ayer, 2 de abril. Con un concierto de los Rolling Stones en La Habana de por medio, ayer cerramos el proceso de producción la gente de Papi Films, con muchas aventuras, anécdotas divertidas, esfuerzos y decepciones de por medio, pero ahí está el material, listo para ser montado. Mañana comenzamos los procesos de Post-producción: edición, mezcla y corrección de color, y otra etapa comienza en esto. Para mí la más bonita, la de dar forma al material bruto que hemos capturado. Creo que esto deberá hacerse de la misma forma con la que poco a poco el espíritu del equipo de rodaje se iba impregnando: rigor profesional acompañado de humor y riesgo para crear.

Intentaré sintetizar en un par de líneas cada uno de los roles que he ejecutado en los rodajes, todos menos dirección y guión, nuevos para mi.

SONIDO (Amores que matan)
Junto con Zadiel conformamos el “Baja el Sound System” y trabajar en este departamento fue muy tranquilo y bonito, pensar dónde colocar los micrófonos, en sus ejes en relación a cámara. Grabar en cinta con la grabadora Nagra fue una experiencia muy bonita. Fallamos al no grabar un Bias de la locación del comedor.

FOTOGRAFÍA (Leche derramada)
Junto con Zadiel de nuevo creamos “El Crack Pictures Collective” y esta vez fue un fracaso. Personalmente me siento bastante disconforme con el resultado y con mi trabajo en este corto. Debí haber preparado mucho mejor toda la parte técnica y estética del corto. La propia idea requería una fotografía destacable, así que la pre-producción debió ser más fuerte por mi parte.

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN (El carpintero)
No me gusta mandar, pero este puesto lo exige: marcar el ritmo de un rodaje, tener pleno y constante conocimiento de lo que cada uno de los otros compañeros en set está realizando, de lo que el director tiene en la cabeza, de lo que los actores deben realizar, de los imprevistos que surjan fuera del set. El resultado fue un éxito, me encontré muy a gusto junto a Yero, preparando el corto, tratando con los actores, etc.). A recordar cabe que, a pesar de que el material quedara muy bonito, no debo bajar la guardia hasta el final del rodaje, porque si en la última escena estoy más cansado y relajado, eso afecta al material (desbarajuste con la escena de los perros).

SCRIPT (No matarás)
Es un puesto que requiere mucho trabajo, atención, apuntes, fotos y memoria. Creo que son demasiadas cosas, y no me gusta mucho el puesto. Lo tendré que repetir en otras ocasiones porque la escuela contempla a los de la cátedra de edición como encargados de hacer de script. De este cortometraje creo que mi trabajo fue satisfactorio, pero creo que la narrativa y dramaturgia del mismo va a ser bastante complicada de editar. Creo que es pobre.

GUIÓN-DIRECCIÓN (La Parca)
Pasé un gran domingo de rodaje tras el concierto de los Rolling Stones. Un actor -Andrés- que me lo dió todo y una actriz que tuve que exprimir para que me diera un poco. Como resultado creo que hay imágenes sugerentes, interesantes para editar y con una suerte de azar que le aporta cosas muy interesantes a la planificación. Estoy contento y agradecido a todo el mundo que me ayudó a hacer este hacha.




MICRÓFONO (Fin de semana)
Un puesto bonito en un cortometraje bonito y sensorial. Quizás el más tranquilo de la tanda de 8 que hemos rodado. Trabajé junto a Matheus en lo que denominamos “Humble Sounds”. Hice brazos con el boom y aprendí a posicionarlo de forma que no estorbe ni a la luz ni a los actores.

AYTE CÁMARA (Mi consuelo)
Junto con Matheus de nuevo, conformamos “Dope Images”. Tuve que hacer focos, montar luces, hacer partes de cámara y con la ayuda de Arturo iluminar según las indicaciones del DOP. Bonito plano Zoom out con cambio de foco de la tele a los actores. Se nota un poco por mi inexperiencia y porque la lente tenía un fallito al cambiar del 32mm al 25mm.

PRODUCCIÓN (De la preparación de un estofado)
Produciéndole a mi amigo Zadiel me han pasado mil historias. Estoy encantado con el trabajo hecho, feliz tras ver su material ayer y con un buen recuerdo de todas y cada una de las cositas que tuve que hacer para producir una pieza audiovisual (preparar un catering, conseguir actores, buscar gusanos en el basurero, conseguir utilería, recibir arañazos de un gato que salía en escena, se me perdió y debo encontrar antes de que venga su dueño).

Y con esto la vida sigue. La huella que dejaron en mí los 3 minutos está en mi pecho, los arañazos del gato que ayer no quería ir al set de filmación. Esta mañana empecé a desproducir el corto de ayer, y aún quedan cosas que devolver y daños que reparar. Todo supone un gasto: físico, emocional o económico. Hay daños que nunca se repararán y eso hace parte de esto, de cómo funciona el mundo. A veces un reloj se cae de la pared y deja de funcionar para siempre. Por mucho que lo quieras arreglar no hay vuelta atrás, se ha roto. Tal vez quedó en pantalla, tal vez no. Sea como fuere, la ficción acabó, los 8 universos fueron capturados. Recuerdos fugaces y a la vez longevos, que marcan un antes y un después en nuestras vidas y en nuestra formación. Con cada CORTE nos conformamos como seres humanos, con cada ACCIÓN nos creamos de nuevo. RÍKITI.