11/06/2011

"Cinco explicaciones acerca del jump cut de Godard" [Richard Raskin article]

"Desde su erupción en "Al final de la escapada" de Godard,  [el jump cut ] ha dado lugar a numerosas y variadas hipótesis sobre qué motivó el cambio radical del director en la continuidad del montaje cuando hacía esta pelicula. En este artículo, presentaré la amplia gama de explicaciones que se han ido teniendo, sin poner ninguna de ellas a prueba. Por mi conocimiento, no hay una visión general de esto plasmada en la literatura en "Al final de la escapada", cada persona ha ofrecido una opinión personal, sin llegar a enfoques altermativos sobre el tema a tratar.
Aunque este artículo contiene explicaciones no publicadas anteriormente, no obstante representa un punto de partida desde los tratamientos anteriores de los ahora famosos jump cuts de Godard, en el sentido de que ilustra la susceptibilidad de una innovación sujeta a dirententes y radicales opciones explicatorias. Desde esta pelíucula , se recuerda un hito en la historia del cine mundial, y es rutinariametne estudiada como una de las películas más representativas de la nouvelle vague, el presente artículo puede serle útil a estudiantes de hisoria del cine  y de tendencias del montaje moderno, como también a esos interesados en los estilos de explicación dados a los problemas de la estética cinematográfica.


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 Entre las pocas explicaciones alagadoras ofreidas, la propuesta por el director Claude Autant-Lara, que fue uno de los principales percusores de los provocativos ensayos de Truffaut, "Una cierta tendencia de cine francés" publicada en enero de 1954 en una revista de Cahiers du cinéma. Autant-Lara, que considera su carrera arruinada por los jovenes venideros de la nouvelle vague, tiene esto que decir acerca del montaje elíptico de Godard:
Sé la historia que hay detrás de "Al final de la escapada" y puedo decir que ¡es absura! Un pequeño productor ha contratado a un pequeño director para hacer una pequeña película criminal para la que contarían con un máximo de 5000 metros [de celuloide]. Pero el director rodó 8000 metros; el productor le dijo que rebajara esa medida, pero el director se negó.
Entonces fue forzado a hacerlo. Asique en un acto de bravuconería, hizo los cortes por si mismo de cualquier modo, al azar, con el fin quitarle el valor comercial a la película... Pero curiosamente, una vez que los pedazos de película fueron montados, el productor consideró el resultado como ingenioso, editado con fuerza, asombroso... Quiso demostrar la imposibilidad de montar su película, pero lo que hizo se convirtió en una obra. Entonces Godard entendió... y en sus sucesivas películas, ¡hizo más Godard! Elipsis sin sentido, cortes en medio de un travelling, que fueron considerados como parte de una nueva estética. Se pusieron de moda. Francia es un pais snob en el cine - un pais que se ve atrapado en todo y al que no le importa lo qué.


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Un poco relacionados a la explicación de Autant-Lara, no más lisonjeros, son los comentarios de Robert Benayoun. Mientrar Autant.Lara afirmaba que la intención de Godard fue la de arruinar la película para así ajustar cuentas con el productor, Benayon sugirió que los jump cuts de Godard fueron hechos como intento enrevesado para salvar una película que de otro modo hubiera sido un desastre para la crítica:
...con el fin de salvar  una película que no vale la pena mostrar ("Al final de la escapada"), Godard la pico de cualquier forma, contando con que podría ser sorpendido por la susceptibilidad de los criticos, pero ellos no le decepcionaron en cuanto a ayudarle se refiere y alimentaron una nueva moda, la de la película mal hecha. Inadmisible malgasto te película, autor de idiotas y lamentables comentarios sobre la tertura y denuncias, un promotor autonomo, Godard representa la más dolorosa regresión del cine francés que tiende hacia el analfabetísmo intelectual.



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Segun  una explicación del propio Godard, el montaje discontinuo de "Al final de la escapada" se hizo por necesidad de reducir la duración total de la película, pero no no por circunstancias como las descritas por Autant-Lara. Mientras Godard menciona la necesidad que hubo de eliminar más de una hora de duración, no hace mención a una presión por parte del productor, ni tampoco menciona ningun deseo dehaber querído preservar la película en su duración original de 165-150 minutos. En todo caso, parece que considera la versión original larga, como un resultado de su propia inexperiencia, y la necesidad de acortar  la película está plenamente justificada:
...las primeras películas son siempre muy largas.  Después de treinta años [de vida], la gente trata de ponerlo todo en su primera película. Asique estas son siempre muy largas. Yo no fuí una excepción a esta regla. He hecho una película que duró dos horas y cuarto, dos horas y media; y era imposible, el contrato especificaba que la duración do debería exceder una hora y media. Recuerdo claramente... cómo inventé esta famosa forma de cortar, que ahora es usada en publicidad: cogimos todos los planos y sitematicamente recorté lo que podía suprimirse, mientras intentaba mantener algun ritmo. Por ejemplo, Belmondo y Seberg tienen una secuencia en un coche; y había un plano de uno, y luego un plano del otro, mientras ellos decían sus lineas. Y cuando llegamos a esta secuencia, que tuvo que ser reducida como las demás, en lugar de acortar un poco ambos [planos], la montadora [Cécil Decugis o Lila Herman] y yo lanzamos una moneda al aire; dijimos: 'En lugar de acortar un poco la narración de uno y luego acortar la narración del otro, para acabar con planos cortos de ambos, vamos a dejar cuatro minutos eliminando uno u otro completamente, y entonces solo uniremos los [restantes] planos, como si fuera un solo plano. Entonces lanzamos la moneda para ver si el que debería permanecer era Belmondo o Seberg y Seberg se salvó...
La escena descrita aquí puede ser en la que las lineas de Belmondo fuera de campo son [En el video a partir del minúto 1.00]:
Hélas, hélas, hélas! J'aime une fille qui a une jolie nuque, des très jolies seins, une très jolie voix, un très jolie poignet, un très jolie front, des très jolies genoux... mais qui est lâche!

A medida que estas lineas son escuchadas vemos planos de Seberg en el asiento del copiloto del descapotable robado, que Belmondo conduce por las calles de París. Discontinuidad entre un plano y su sucesivo con respecto a (a) la posición de la cabeza de la acrtiz, (b) el grado de la luz del sol o la sombra, y (c) las calles y parques o los coches en movimiento vistos en el fondo, hacen a esta escena uno de los mejores ejemplos en la película de los jump cuts de Godard, siete [planos] que cambian en una sucesión rapida.






Hélas, hélas, hélas! J'aime une fille qui a une jolie nuque...

...des très jolies seins...


...une très jolie voix...

...des très jolis poignets...


...un très joli front...

... des très jolies genoux...


... mais qui est lâche!

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Otras personas han visto en los jump cuts una expresión cinematográfica de cualidades incorporadas por el personaje interpretado por Jean-Paul Belmondo: Michel Poiccard, alias Laszlo Kovacs, que no tiene remordimiento de conciencia alguno a pesar de que mata a un policia en moto a sangre fría o golpea a un hombre inconsciente en un baño publico con el fin de cogerle algo de dinero.




El cañón del revolver de Michel cuando dispara al policía.


El policía cayendo cuando dispara de nuevo.

Visto desde esta perspectiva, las elipsis son significativas en el sentido de que expresan los comportamientos promulgados por la película. Por lo tanto la manera en que la película se ha editado, y el comportamiento visto en la película son estructuralmente homólogos.

Por ejemplo, Luc Mollet escribió: "Debido a que los comportamientos de los personajes reflejan una serie de jump cuts morales, la película será una serie de jump cuts." Y según Bosley Crowther, el "montaje discontinuo" de la película - una "cacofonía pictórica" - es apropiada para  una película en la que "se transmite sutilmente una comprensión muy compleja de un elemento de la juventud que es vago, inconexo, animalista que no importa la condena de nada ni nadie, ni de uno mismo".
Un intento más elaborado para descodificar el significado de lo jump cuts, puede encontrarse en una discusión sobre la película de Annie Goldmann. De acuerdo con Goldman, Godard no usó el montaje discontinuo en las escenas que representan las relaciones entre personas. En estas escenas, Belmondo y Jean Seberg en sus papeles de Michel y Patricia, ella sugiere que las relaciones están completamente (es decir, no hay elipsis) descritas debido a su importancia primordial.Es en las escenas que representa el mundo social - como en la de la muerte del policía - en las que la representación fílmica es elíptica, "el montaje discontinuo, con 'huecos' entre los planos, "  porque en los ojos de Michel, los incidentes en los que hay involucrada alguna autoridad, no son importantes:
La acción se acorta, no con el propósito de dar la impresión de rapidez, pero si porque el hecho en si mismo no le interesa al héroe... Para él, y para la persona que vee el mundo a través de la mente de Michel... nada de estos hechos es importante en la medida en que todo lo relacionado con la sociedad no le incumbe. Este es el por qué el director representa esto casi por descuido, sin mucha legibilidad incluso.
Desafortunadamente, Goldman  no trata de demostrar la valided de su opinión mostrando sistemáticamente que el montaje discontinuo y continuo es usado en escenas que representan lo que ella vee como relaciones sociales y personales, respectivamente. A la escena antes ctiada -por citar una escena que combine relaciones personales con jump cuts- sería dificil de incluir en el contexto del modelo de Goldmann.


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Los jump cuts de Godard también has sido vistos como parte de una nueva estética,  un cambio radical de usar -antiguos modelos del discurso cinematográfico, y un intento de llevar dentro del cine medios revolucionarios desarrollados dentro de otras artes. Para un crítico anónimo del Time, Godard trajo el cubismo al lenguaje cinematogáfico:
Mas atrevida y cubista es la manera en que Godard ha montado su material. Cada minúto más o menos, algunas veces unos segundos, ha picado unos pies de la película, juntando fragmentos de nuevo sin transición. La historia todavía se puede seguir, pero a cada corte la película da un tirón hacia delante con una impaciencia sincopada que acertadamente sugiere y subraya el ritmo compulsivo de la caída de la curva del héroe. Más sutilmente, el truco distorsiona, reorganiza, relativamente en el tiempo - tanto como Picasso manipuló el espacio en Las señoritas de Avignon. Todo significado continuo es desconcertante...
Para Arlene Croce, el montaje de Godard es análogo al jazz, y es parte una estética que cambia el foco de interés del significado al medio cinematográfico en sí
"Al final de la escapada" es una fantasía manierista, jazz cinematográfico. Viéndola, dificilmente se puede evitar la sensación que la intención de Godard, sobre todo, era producir cortes en el cine - planos, productos de la imaginación, iconografía - sobre la que hablaban los críticos de Cahiers. Su realidad es siempre representada en cine; la cámara está siempre "allí", como sea, con sus cortos golpes o sus largas divagaciones en loop. Hay pocos encadenados y casi no hay cortes invisibles; y los cotes son a menudo tan rápidos que por momentos el espectador está completamente descolocado. Por ejemplo, la llegada de Belmondo a Paris se muestra así: un largo plano de la ciudad/un coche parado/Belmondo entrando en una cabina de teléfono, haciendo una llamada, sin obtener respuesta, saliendo/Belmondo compra papel en algun sitio/Belmondo en las escaleras de un apartamento, con algo de diálogo/Belmono dentro de una portería robando una llave/Belmondo apareciendo, secándose con una toalla, en el cuarto de baño del apartamento. La secuencia entera y cortada dura menos de un minúto; no hay transiciones, no hay "continuidad". Hay bastantes cortes hechos en el mismo plano. No se pretende, ya sea a través del corte o a través o a través de largos paneos corados, un estilo de montaje académico, una composición, o un significado de algun tipo. Eso es solamente el negocio de las películas...
Penelope Houston caracteriza la estética de Godard como un cambio de enfoque de la historia o la narrativa a una experiencia más instantanea, fundada en el lenguaje del medio cinematográfico:
...la película fue montada pra que la secuencia tradicional se rompiera, con jump cuts (en los que podemos ver el comienzo y el final de la acción, pero no el medio), con repetidos cambios de lugar y punto de vista... Cada técnica no es una mera forma estilística de extravagancia. Subrayan una actitud de hacer cine. Si la preocupación fundamental del director es contar una historia al mayor número de espectadores, él ayudará a seguir la historia facilmetne: si un personaje nos dice que va a hacer algo, y luego hay un corte, estamos condicionados a esperar que en la siguiente escena él estará haciendo la cosa sobre la que ha hablado. Pero si el cineasta no se preocupa tanto por historia como por el instante inmediato, cuida menos la involucración del espectador en una narrativa que la sensación o la experiencia, con el tipo de oportunidades y azares que intervienen en la vida, entonces se pueden romper los convencionalismos y dejarlos colgando. La pelícual encuentra e impone su propia lógica. Los espectadores vemos lo que el director nos permite: si ve algo aburrido, y decide salterselo, asume que sabemos suficiente acerca de las convenciones cinematográficas. En "Al final de la escapada", sin duda, los personajes por si mismos no existen fuera del contexto en el que Godard los ha creado... La película por si misma es la cosa; y los espectadores encuentran al menos una parte de su placer en la excitación compartida que posee el director, el sentimiento de felicidad que siente en un momento que la pantalla está encendida, los experimentos con el tiempo, la experimentación de un lenguaje.
La violación que Godard hace a las reglas más básicas del montaje continuo son vistas en este contexto como un gran paso adelante, hacia una concepción del arte cinematográfico. Esta podrá ser una característica constructiva de de lo que puede ser visto en terminos más destructivos.
La propia mirada que Godard expresó, por lo menos en una ocasión, fue mucho menos positiva. Gordon Gow le preguntó qué tenía exactamente en mente cuándo hizo "Al final de la escapada", Godard respondió:
que él no se regía por normas y que fue a destruir las convenciones aceptadas en el cine. Hiroshima, mon amour, dijo, fue el comienzo de algo nuevo, y  "Al final de la escapada" era el final de algo viejo. Él la hizo en localizaciones naturales y en habitaciones reales, sin tener nada que ver con los estudios (sin embargo más adelante ha trabajado en un estudio y lo ha encontrado ventajoso). Empleó una cámara de mano, porque es impaciente y cuando está preparado para grabar no le gusta esperar por complicados sistemas de cámara. Y habiéndo finalizado el rodaje, pica el material como una manifestación de anarquía filmica, iconoclastia técnica.
Más recientemente, Agnès Guillemot, que editó o co-editó la mayoría de las películas de Godard druante los años 60, hizo la siguiente declaración sobre lo que vió como la razón subyacente del innovador estilo de montaje de Godard:
Godard no es un especialista del jump cut, es un especialista de la verdadera respiración del cine, que no es lo mismo. La denominada manera correcta de montar ha tenído mucho tiempo un obstáculo hasta la verdadera respiración del cine. Godard es el especialista de la audacia y de la libertad. No monta sus películas en contra del resto de cine, sino más bien como piensa que debería ser.
[...]

By Richard Raskin on December 1998 for P.O.V. Nº 6.
Translation by Pablo Hernández.

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